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octubre, 2016
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se inaugura “Al natural” en Acacias Meta. Curaduría de Libardo Archila en Curare Alterno

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Al Natural, es un proyecto curatorial de arte contemporáneo en el cual se ha determinado hacer invitación directa a 6 artistas residentes en el Departamento del Meta, que cuenten con reconocimiento nacional en el circuito artístico contemporáneo o en otras disciplinas, para que como resultado de un laboratorio de experimentación artística a través de la vivencia de un encuentro como campamento artístico en un espacio natural al aire libre durante 2 días en el cual se presentaran las condiciones favorables para que este grupo de artistas desarrollen procesos creativos tanto individuales como colectivos que como consecuencia den a la luz obras de arte que sumadas a registro audiovisuales conformaran una exposición de arte.

Ejes curatoriales

“Al Natural” comprende la realización de una curaduría para la realización de una exposición de arte regional y ha definido 4 ejes temáticos como posibilidades creativas que se desarrollaran en el campamento artístico, las cuales definen los contenidos de la exposición:

Primer eje: Registro audiovisual del suceso.
Un videógrafo realizara un registro audiovisual general del suceso y documentara las acciones efímeras que se realicen por los artistas para ser presentadas como piezas artísticas en la exposición
Segundo eje: Acciones o actividades colectivas.
Actividades o disparadores creativos diseñados por el equipo curatorial para proveer de un hilo conductor al suceso y de cohesión ideológica, que se realizaran en diferentes momentos del suceso.
Tercer eje: Propuestas individuales.
Los artistas participantes, presentaran en la etapa de preproducción, propuestas individuales de creación, las cuales serán desarrolladas en el suceso de acuerdo a la metodología particular de cada una de ellas, previamente aprobadas por el curador.
Cuarto eje: Lo fortuito o nuevas construcciones creativas.
El hecho artístico no puede ser forzado pero se debe mantener una mirada atenta para darse cuenta cuando sucede, potenciarlo, aprehenderlo y registrarlo y una parte importante de esta propuesta es provocar estos estados altamente creativos y libres en el campamento teniendo en cuenta la naturaleza artística de sus participantes.

Lugar del encuentro vivencial artístico

• Finca Los Girasoles (Agradecimientos a Ana María Fandiño, madre y hermanos por el préstamo de este espacio)

Artistas seleccionados

• Alejandro Salazar.
• Ana María Fandiño.
• Nathaly Rojas.
• Omar Gómez.
• Winston Rubio.
• Libardo Archila

Videografía y registro fotográfico

• Gina Paola Villalba

Curaduría de arte

• Libardo Archila

Cronograma

• Pre-encuentro, Espacio de Arte Quirón, 20 de julio
• Encuentro, Finca Los Girasoles, 7 de agosto.
• Primera exhibición, Espacio de Arte Quirón, 10 de septiembre.
• Segunda exhibición, Cuarto encuentro de artes visuales del Meta, Escuela Normal Superior de Acacias, 21 de Octubre.

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Jardines accidentales, la obra de David Guarnizo en Curare Alterno

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De las jornadas a través de los caminos en el bosque y la montaña se recorren espacios demarcados por presencias y ausencias. Entonces creemos encontrarnos en lugares de constatación del mapa, en su situación exhaustiva de reconocimiento o bien nos detenemos ante el asombro de sabernos dueños de la experiencia por algún tipo de descubrimiento.

La situación indica que nos encontramos en medio de un concepto relacionado con la naturaleza, pero que por su misma ambigüedad resulta complejo definir, máximo porque la civilización lo ha resuelto previamente. Es decir, sabemos que lo externo responde a lo natural pero no sabemos a ciencia cierta qué tipo de naturaleza es.

David Guarnizo expone en Curare Alterno una fotografía titulada “Jardines accidentales: Un árbol caído en el Cerro de Guadalupe”. En ella prepara al espectador acerca del tipo de naturaleza que le interesa buscar cuando cerca el paisaje. La deriva le conduce hacia un objeto encontrado en espacio y tiempo específico, a través del cual reconstruye una visión con anclaje histórico como lo es la recreación del jardín.

Un jardín hallado alude a un pensamiento de naturaleza creada donde las cosas que la componen responden a nociones de belleza. Lo bello queda sublimado por el control de aquello que atenta contra el estado de seguridad, y así reconocemos que en la imagen ha sido reemplazado el entorno por el ambiente.

Lo fotográfico no es el paisaje sino lo pictórico del recorte que produce el marco de acotación de la imagen, por dicha razón lo que vemos es doblemente virtual, ya que el artista reconstruye con diferentes tomas ensambladas lo que debería ser representado como escena ideal. La idealización de la naturaleza creada produce indudablemente el abstracto, un abstracto profundamente figurativo.

El exceso de figuración, no sólo da cuenta de la intelectualización de lo real, sino que produce el extrañamiento de la ficción cuando decide con intención eliminar de su artilugio los vestigios de la cultura. De esta manera, la fotografía (entendida como máquina de producción de ready mades) nos presenta un estado genuino de momento único anti mapeado, sin descubrir, sin huellas de civilización, en donde de vez en cuando ocurren sucesos majestuosos, también naturales, como la caída de un árbol, alegoría de muerte delicadamente trabajada por la nostalgia. El trabajo de Guarnizo nos señala que la esperanza de construir mundo hoy consiste en la fabulación por accidente.

O.S

 

 

David Guarnizo es artista y especialista en fotografía egresado de la Universidad Nacional de Colombia. Ha participado en exposiciones colectivas como Fotográfica Bogotá 2015, el Séptimo Salón de Arte Joven de la Galería del Club el Nogal y el pabellón Artecámara de la Feria Internacional de Arte de Bogotá ARTBO en las ediciones 2010 y 2012.

En el 2014 realizó su primera exposición individual llamada ¿Cuál es la distancia al horizonte? dentro del marco de los 15 Salones Regionales de Artistas, en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, MAMBO. En el año 2011 recibió la beca Semilleros de Creación e Investigación de la DIB – Colciencias. Ha sido ganador de las convocatorias Residencias Artísticas Nacionales (2012) y 15 Salones Regionales de artistas – Becas para la realización de exposiciones individuales (2014) del Programa Nacional de Estímulos del Ministerio de Cultura, y de las convocatorias El Parqueadero- Laboratorios (2012) y Beca de formación en mediación del Arte (2013), del Programa Distrital de Estímulos.

Paralelamente a su práctica artística también indaga sobre la educación artística y los procesos de creación colectiva y transdisciplinar.

 

 

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las maniobras incómodas de un payaso llamado Maladrés en Curare Alterno

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Todo se encuentra preparado. Ya han llegado los asistentes quienes esperan en su calidad de público un acontecimiento, el cual promete el componente de la expectación y el espectáculo.

Se ha preparado un orden específico para potencializar cada gesto y palabra del invitado, puesto que la invitación alude a un contenido previamente decantado o no con supuesta rigurosidad, ya que enfrentar una audiencia siempre significa exigencia de un público insaciable, crítico y tirano.

Los actos performáticos dentro de la academia cuentan con la mediocridad que en ella se desarrolla. Aunque en esencia la academia alucina la tenencia en sus muros de un espacio óptimo para profundizar en el conocimiento, la realidad nos demuestra lo contrario, una institución que responde a las situaciones medias en que vivimos.

En la academia, existen públicos y actores a la espera de un juego de emisiones como efectos de transmisión. El profesor emite unos signos que no provienen en exclusiva de su experiencia, sino que responden a una señal emanada de una magnitud ajena y por lo general lejana. Los públicos esperan el error.

Ese transmisor en su discurso no debe colocar en exceso elementos de sí mismo, pues contaminaría la emisión. En su lugar debe conjugar entradas y salidas de interpersonalidad apoyado en otras voces de autoridad, pero al mismo tiempo desapariciones pignolépticas, que garanticen el máximo encargo de la enseñanza institucional: distraer.

Si un performance no distrae no sirve, ya que la distracción se usa como un recurso de dilatación del tiempo y los compromisos de tensión que implican el hacerse adulto. Un buen profesor por ese mismo hecho, es el que distrae de una manera divertida a sus estudiantes, quienes no dudarán ni por un instante en reclamar faltas a la premisa de la distracción, con señalamientos muy concretos de aburrimiento, pesadez, confusión e incomprensión.

En la representación performática de la academia no gusta el contenido profundo, sino solo aquel que juega a facilitar inmersiones de poco calado, que en apariencia se presenten con grandes alcances abisales: necesitamos distraernos de las cosas profundas del mundo, para eso nos envían nuestros padres confiados (cansados de tenernos en casa) y para eso nos pagan las instituciones.

Siempre es mejor que el que nos distraiga posea título de doctor en algo, pues significa que acredita el suficiente tiempo en la academia, tiempo en el cual ya ha naturalizado y hecho naturalizar a otros la navegación mediológica flexible que tanto persiguen los currículos, ahora acreditados por títulos sin sapiencia, con los cuales la institución responde a los desafíos igualmente mediales y por lo tanto mediocres de la sociedad actual del pasar el tiempo.

En Curare Alterno se presentó el payaso Maladrés, una mezcla de profesor “con contenidos” y clown del espectáculo, quien de manera muy perspicaz presenta la situación del fracaso en la educación.

Su práctica, como bien lo anuncia el gancho publicitario que usa, consiste en el fracaso. Es decir, develar para aceptar el fracaso, no sólo como el cuerpo político de emisión que representa, sino como artista. Todo en su performance es ruina, pero no la ruina estétizada de víctimas y despojos culturales para la autopromosión intelectual seudo romántica, sino una ruina alegórica del “wikipega” a través del cual construye historias con algún sentido de derivación.

Un profesor no aporta contenidos, eso es un total despropósito, más bien un profesor es quien permite a través de la distracción, el riesgo y la exposición, la activación de nuevas emisiones en los otros. Por ese motivo Maladrés el payaso, con su cansancio artístico y aburrimiento anacrónico, es quien mejor representa la hipocresía del fracaso de todo el sistema educativo, donde hemos depositado el ser en su proceso de domesticación.

 

Oscar Salamanca

 

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Curare alterno: la cuestión es generacional. Acontecimientos en Manizales, Pereira, La Florida

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el conjunto de exposiciones de Curare Alterno en la ciudad de Manizales van hasta el día 2 de noviembre para el Centro Colombo Americano, El Centro de Museos, la Pinacoteca y Rotonda en la Universidad de Caldas . El 30 de octubre se desmonta la exposición de Alejandro Múnera Ramírez.

En Manizales también se encuentra abierta la curaduría integrada  SUMISION cero hasta el 4 de noviembre en el Museo del barrio, residencias artísticas.

En la ciudad de Pereira se encuentran expuestas las obras de Gustavo Sanabría y estudiantes en el Muro Líquido de la Universidad Tecnológica de Pereira, así como el trabajo de la diseñadora Juliana García en el Muro Líquido del Centro Comercial Pereira Plaza.

En el Jardín de artista y Salón MEC, la obra de Miguel Ángel Gélvez durante los meses de octubre y noviembre.

En la Florida, a escasos 40 minutos de Pereira se realiza la exposición “No es arte , es paisaje” en el espacio “La Galería” .  Se expone el resultado de las salidas de paisaje que han realizado los artistas William Cardona, Oscar Salamanca, Alejandro Múnera y Juan David Rojas. Se advierte: NO ES ARTE

El artista Felipe Chona realizará el performance “cuántas corbatas caben en la plaza de Bolivar de Pereira? el sábado 5 de noviembre a las 3 p.m y la charla “Rostros efímeros, miradas múltiples” el viernes 4 de noviembre de 9 a 11 am en el salón 12-505 de la Facultad de Bellas Artes y Humanidades de la Universidad Tecnológica de Pereira. Entrada gratuita.

 

 

 

 

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El dibujo de Marcelo Velásquez “Ejercicios de Respiración (contención)” en Curare Alterno

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Como una herencia en la época donde todavía prevalecían las herencias en el arte como consecutividad histórica, aparece la que recibimos del cubismo sintético a partir del dibujo. El cubismo se encargó de separar en fragmentos de comprensión los elementos constitutivos de lo que una vez fue pensado como sistema de pintura, para proponer rupturas, donde el dibujo pudo ser pensado independiente de la figura, hacia un análisis de sus componentes.

 

En el proceso, el punto y la línea del action painting que años después Olinstky tradujo como forma heroica, propuso a nuestra contemporaneidad un dibujo sin anclaje, libre, pero al mismo tiempo atemporal.

 

El dibujo sin tiempo aparece y desaparece de la escena del arte, se encuentra por fuera de modas y cuando deviene otra vez posibilidad de “decir” cosas para el arte, esclarece el campo.

 

Con las cargas superinsularizadas de la intelectualidad del arte de hoy, donde todo lo que sucede no es arte pero puede serlo, el dibujo se convierte en estructura porque hace falta estructura, no tanto como el soporte arquitectónico del pasado, sino como materia de ordenación del mundo para facilitar el transito de sentido.

 

Es tan importante la ordenación de sistema mundo como lo es el silencio de su transformación que encuentra en el dibujo la potencia de lo frágil y lo imperceptible de sus estratigrafías con efecto de desaparición.

 

La pregunta sería ¿ dibujo hoy ? y más allá ¿cómo sería ese dibujo y dibujar hoy? Sin preguntarnos por arte, quitándole al dibujo el arte maquillaje para dejarlo como un acto de adición, matemática sustancial acerca de lo permanente, es decir lo estético.

 

En el trabajo artístico de Marcelo Velásquez “Ejercicios de Respiración (contención)” presentado en Curare Alterno, nos encontramos con juegos de tensión antagónicos donde lo duro y lo suave proponen un dibujo del ejercitarse.

 

Velásquez recurre a dos aspectos a la vez “duros y blandos” que de manera interdependiente hablan de una ascesis basada en el trabajo artístico, a saber, cultura del lenguaje y lugar de la práctica detenida.

 

En la cultura del lenguaje aparecen espacios de aireación o insuflación de orden sacramental cuando convierte contenidos anecdotarios de violencias en conjunto, léase paisaje interior. Entonces el libro se convierte en columna de civilización sobre la cual se escribe una historiografía de asociación con sus pausas y juegos de deterioro sintonizados en la, de nuevo, aparente falta de régimen temporal. Sus dibujos retraen contemporaneidad, nos devuelven a un estado anterior de seguridad aséptica, clínica del corte y trazo.

 

El lugar de la práctica contenida tiene que ver con las frecuencias de repetición. Es decir, el dibujo manifiesta ritmos disonantes que producen estados con alguna lógica de ordenación basada en la horizontalidad, pero no sólo de la orientación procesional del formato, sugerencia a una posible acción dramática, sino verdaderas contenciones de inhalación y exhalación de lo interior hacia lo exterior. Con ello, el lugar de la práctica contenida expolia, extrae, saca para convertir lo “genuino” y puro en impureza, objeto arrojado al afuera. Por ello la dificultad de dibujar sobre lo que la imprenta otrora ya determinó como belleza compilada, que luego el paso del tiempo reactualizó sus cortes para producir una superficie “interesante”.

 

En ambas acepciones, el dibujo de Velásquez propone una dicotomía entre lo encontrado “resuelto” a partir del reconocimiento de calidades como arte y lo creado como imposición de naturalezas sensibles, diestras de translocación sobre mapas de territorios pretendidamente relacionales, muchas veces inconexas entre lo informado enciclopédicamente y lo representado como respuesta gráfica.

O.S

Ficha técnica de la obra en Curare Alterno:

“Ejercicios de Respiración (contención)”

Grafito sobre hojas de libro 205 x 68 cm c/u. 2014-2015 Popayán

 

CV

Marcelo Velásquez

 

Estudios en curso

2011-2016. Último semestre de Artes Plásticas. Universidad del Cauca. Popayán.

Exposiciones Colectivas:

-2015. Salón Interuniversitario ASAB. Sala de exposiciones ASAB. Bogotá.

-2015. Circuito 2015. Museo Edgar Negret Popayán. 2015.

-2014. Territorio Pacífico. Imagen Regional 8. Sala de Exposiciones -Banco de la República. Cali.

-2014. Cuerpo-Video. Para Verte Mejor. Sala Contemporánea Universidad del Cauca. Popayán.

-2014. Cauca. Indómito-Pacífico. Barrio San Fernando. Bogotá.

-2013. Entre líneas, caracteres y símbolos. Sala de exposiciones. Parque Biblioteca Tomás Carrasquilla, La Quintana. Medellín.

-2013. Oficio Perceptible. Salón de Arte y diseño. Sala de exposición Centro Cultural de Cali. Cali.

-2012. Por si no nos conocemos. Sala Contemporánea Universidad del Cauca. Popayán.

Proyectos Editoriales:

Editor en

Revista de arte Entre-Diálogos

 

 

 

 

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Performance de Felipe Chona en el marco del Curare Alterno

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El artista bogotano realizará el día sábado 5 de noviembre a las 3 de la tarde su performance ” ¿ Cuántas corbatas caben en la plaza de Bolivar de Pereira ?” una obra que reflexiona acerca de la intolerancia y sesgo frente a la diferencia. En sus palabras el artista anota:

” Esta acción artística impone la tarea de responder, en forma literal, la pregunta que la titula, midiendo el área de un sitio específico, utilizando como patrón de medida una corbata. De igual manera, en forma alegórica, coloca en la escena pública las anteriores preguntas y otras posibles: quien realiza la acción es un hombre que al momento de empezar se quita la corbata del cuello y cambia sus zapatos por unos tacones altos”.

El artista ofrecerá el día viernes 4 de 9 a 11 a.m en el Salón de la Maestría en Estética y Creación (12-505) de la Universidad Tecnológica de Pereira, Facultad de Bellas Artes y Humanidades, su charla titulada “Rostros efímeros: miradas múltiples”.

Ambas actividades de entrada gratuita y libre

 

 

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mística de corazón, instalación de Maribel Gordillo en Curare Alterno

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Al amor en nuestros días se le considera un saber debilitado como sistema de conocimiento que genera más incertidumbres que certidumbres. El amor aparece y desaparece exento de los avatares de la moda, pero al mismo tiempo asediado por la fragilidad de las relaciones.

Al fin de cuentas, así nos cueste aceptarlo, debilitado o no, el amor es un saber y por ese simple hecho hace parte de nuestra experiencia de vida. Es cierto que traerlo a colación en la conversación entre nosotros se hace pesado, pues se emparenta con el dolor mezclado de situación en éxtasis, sí , una situación incómoda porque nos hace pensar diferente en estados de abandono total.

El lugar del amor, al menos en la tradición cristiana occidental, se ubica en el corazón, esto como una herencia de los antiguos egipcios quienes colocaron en dicho órgano el centro del ser humano, aunque anatómicamente no correspondiera.

Entonces tenemos que nosotros rodeamos el corazón no sólo con el centro de nuestro ser, sino también con el lugar donde habita el alma y en una asociación animista del sitio donde anida el amor representado.

Ningún órgano de nuestro cuerpo alude tan decisivamente a lo íntimo como espacialidad compartida en la interpersona, como el corazón, ya que es génesis, origen desde donde emerge, no sólo sangre, sino impulsos vitales a manera de emisiones, las cuales hablan de nobleza, cordialidad y sensibilidad, pero también de daño y maldad.

En la obra de Maribel Gordillo en Curare Alterno, se relaciona la cardio-estética tardomedieval como subjetiva cordialidad basada en la cultura popular, donde centralizan dos posibles lugares de comunión en el ser, el estomago y el corazón.

Comida y amor equivalentes simbólicos de espíritu y cuerpo se despliegan en la obra de Gordillo a través de la columna y remate obelisco cardial (referencia a un rayo de amor petrificado emitido y retransmitido desde la circularidad del dios Atón).

La artista además echa mano de otra fuerte tradición mozárabe que es la de recuperar el plato decorado como soporte artístico, así decida caminos de ruptura en búsqueda de nuevas asociaciones, quizá cercanas a las teorías deconstructivistas que animaron todo el discurso plástico de los “plate paintings” de Julian Schnabel.

No obstante los anclajes anteriormente mencionados, la instalación de Maribel titulada “barriga llena, corazón…” implica la fragilidad extrema desde varias escisiones, entre otras lo telúrico, la fuerza invisible de la gravedad, la posibilidad del fracaso, pero más que todo una bella alegoría de civilización alimentaria en la irrigación como principio, donde poco, o nada participa el amor.

O.S

 

Maribel Gordillo

Licenciada en Educación ARTES PLÁSTICAS Universidad de Antioquia
Fecha de nacimiento: 01 de mayo de 1982

EXPERIENCIA en exposiciones

– Exposición individual “Admosfera interior” Hotel NH Collection, Medellin Colombia. Abril 2016
– Exposición colectiva “de norte a sur” Casa de la Cultura de Caldas, Antioquia Colombia. Noviembre 2015

– exposición colectiva “frágil” Cámara de Comercio y Museo de Antioquia, Bello Colombia. Julio 2015
-Participación “Salón Regional Fabián Rendón” Bello Colombia 2015
– Participación Salón Regional de Ilustradores “letras Ilustradas” Rotonda Lola Vélez, Bello Colombia. Mayo 2015

– Exposición colectiva “pequeñas historias contadas con arte” La Barquereña, Sabaneta Antioquia. Octubre 2015
– Exposición Colectiva “Quehaceres” Casa de la Cultura de Caldas, Antioquia Colombia. Marzo 2015

– Diseño para la intervención espacial (mosaico). Alta Gracia. Al lado del muralista Ariel Cadiz (Córdoba Argentina) febrero 2015

-Exposición colectiva “piso 11” Hotel Charlee. Medellín Colombia, agosto del 2014

– Artista electa categoría Nacional “II Bienal Internacional de Muralismo y Arte Público” Museo Libre de Arte Público de Colombia (Cali Colombia) Noviembre 2014 – Participación “GALERÍA SISBEN” 15 Salón Regional de Artistas Zona oriente, Bucaramanga Colombia. Noviembre 2014

– Exposición Colectiva “Artistas Bellanitas Cerro quitasol” Reserva Piamonte. Bello Colombia, 17 de Julio 2014
– Exposición Colectiva “Salón Municipal de Artes Plásticas Fabián Rendón” Biblioteca Marco Fidel Suarez (Bello Colombia) 15 de Julio 2014

-Exposición de pintura “Objeto cercano – Espacio familiar” Sala de Exposiciones Parque Biblioteca Manuel Mejía Vallejo
(Medellín Colombia) 2014
– Exposición de pintura individual ” Un café, una flor de una mariposa, un momento…” MetroArte. Medellín Colombia, 2014

– Exposición ” pensar, vivir, construir ” Biblioteca EPM. Medellín Colombia, 2014
– Exposición colectiva de pintura ” ciudad = adentro = afuera” Art Hotel. Medellín Colombia, 2014
– Exposición individual de pintura ” Lejos de mi ” Stpeters Central Hotel Rooms Roma (ciudad Vaticano Roma) 8 al 27 de diciembre 2013
– Exposición individual de dibujo ” Ciudad a mis pies ” Corporación Universitaria IDEAS (Medellín Colombia) oct 24-nov 5, 2013
– Exposición individual de pintura ” Intimo” Bermeo Arte y Expresión Nouvelles. Quito Ecuador 5 del Junio 03 de julio 2008
– Participación en el laboratorio artístico 12 ” las voces de los que están dentro ” programa codiciarás PAZ” Colombo Americano. Con la participación de Vance Jacob, apoyado por el artista local Oscar Roldan. Medellín Colombia 2007
– La participación en las artes y proyecto de exposición ” Rutas de seguridad” Colombo Americano. Con la participación del escultor irlandesa Niamh Lawlor y Juan Luis Mesa (Medellín Colombia) 16 de julio 2004
– Exposición colectiva de pintura Museo Universitario de la Universidad de Antioquia (Medellín Colombia) 2003
– Donación de tres grabados en linóleo, Colección de Grabado de la Universidad de Antioquia (Medellín Colombia) 200

Reconocimientos

  • –  Premio, asistencia al taller de mosaico Taller de mosaico Animales de Colores. TALLER OLIGÓN- 2015 ( Sau Pablo, Brasil)
  • –  Premio convocatoria MI ESPACIO INDEPENDIENTE. ARTBO GROLSCH – 2015 ( Bogotá, Colombia)
  • –  Selección y premiación del diseño para el mural de la escuela IPEN 310 en Puerto Argentino, BEA LABORDE – 2015 (Córdoba, Argentina).
  • –  Selección de la propuesta escultórica y premiación con la ejecución en el espacio público del MUSEO LIBRE DE CALI, Segunda Bienal Internacional de Muralismo y Arte Público- 2014 ( Santiago de Cali, Colombia)

 

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“Erosiones” pintura de William Andrés Narváez en Curare Alterno

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“Erosiones” Detalle

 

A partir del situacionismo se presentó en el arte dos caminos claramente definidos, el empoderamiento de la obra de arte como signo de conexión y la conquista del espacio urbano como escenario de arquitecturas sociales.

Sobre la conexión la obra de arte se “desencumbró” para introducirse en una idea de paisaje muy parecida a un lugar en constante combate, una arena que día a día coloca en situación a sus actores. Así las cosas, la obra de conexión fue en procura de establecer relaciones entre artista – públicos y arte-vida, al punto de pretender cambiar en profundidad las mismas razones del arte como transmisión de emisiones. Ahora ya no se trataba de comunicaciones sino de emisiones de autotransmisión, muy diferente puesto que coloca a los creadores como activadores situacionales de contextos y autoreferencias de los cuales ellos mismos, los artistas, servían a magnitudes de exterioridad derivadas de los tiempos.

En cuanto a la conquista de lo urbano, el situacionismo planteó una verdadera revolución frente al campo del arte, puesto que cuestionó el cubo blanco como un espacio inerte al cual se “va”, mientras que el espacio de la calle toma por sorpresa a quién se desplaza con otras intenciones diferentes al de ir al arte. Las propuestas instalaron complejos sistemas filosóficos en lugares disímiles como un engranaje experimental de apropiación, tanto de la obra de arte como elemento de transformación del espacio, pero también de acercamiento de dicha obra a la realidad, entendida como lo que se vive en la cotidianidad.

La apuesta en ambos sentidos tuvo la alegría de volver sobre la relación del arte y la vida y digo la alegría porque un arte que elimina su autarquía de economía cultural autosuficiente, para mezclarse en lo común donde la ciudad se convierte en continente de lo encontrado desde conceptos de belleza desublimada.

La belleza vuelve a despistarse; ya no nos queda claro si cuando hablamos de belleza nos referimos a lo mismo, quizá se relativiza y huye, pierde su casa. El arte de hoy convocado por la sinergia política de salones institucionales y propuestas alternativas basadas en la apertura del asfixiante escenario cultural, dan cuenta de una revisión de los presupuestos del situacionismo, donde lo bello confuso regresa.

Tenemos trabajos plásticos que usan la ruina, el deterioro, lo precario y la miseria de manera critica sobre la crisis generalizada o como solución escenográfica de algún tipo de referencia sobre las demagogias que rodean el paisaje y la región.

En el trabajo de William Narváez que presentó al Curare Alterno y que lleva por título “Erosiones” nos presenta como arte un objeto extremo. Se trata de un conjunto de papeles ordenados con cierta literalidad y cadena procesional dispuestos sobre el piso en un espacio de aproximadamente 10 metros de largo por 1 metro, también aproximado de ancho.

El formato es irregular porque los papeles se ordenan en una lógica estratigráfica donde es posible observar las sucesivas capas constructivas como pantallas interrelacionadas, tanto en profundidad como de manera horizontal.

Cada pantalla representa un territorio autónomo de trabajo puesto que es posible evidenciar rasgos o herencias de sustratos pictóricos que dan cuenta de procesos de trabajo y decantación. El papel se convierte en la obra de Narváez en su mejor aliado, puesto que el papel como superficie pictórica o del dibujo permite documentar la exposición a la inclemencia atmosférica y el manejo en su exhibición.

En todo sentido la obra es frágil. Fragilidad como soporte que al mismo tiempo obliga al artista a adaptarse a la naturaleza de su superficie poco resistente con técnicas de representación articuladas y no impuestas. Frágil también por su empoderamiento como obra de arte porque desafía las formalidades culturales en un juego de presentación que exige apertura y reconfiguración de lo bello, a todas luces erosiones.

Por lo anterior, la obra impacta cuando por un momento no sabemos con claridad si se trata de una propuesta plástica o simplemente de una suerte de papeles de envoltura que algún trabajador dejó olvidado en la sala de exposiciones.

El problema del espacio expositivo termina por inferir en la arriesgada idea de ruina, ya que no se logra cumplir el programa de desbarajuste conceptual y como si se tratara de un gran objeto encontrado que, por efecto de la descontextualización, ahora debemos comprender como arte.

Lo mínimo, el arte conceptual, lo efímero, lo experimental devuelven en la obra las deudas sobre las que hemos prefigurado las razones del arte y que por tradiciones desafortunadas rivalizan en lo profundo con la belleza.

Entiendo que hablar de belleza en el arte de hoy no deja de parecer paradójico y fuera de sus discursos antiterroristas, pero en el fondo lo que las ruinas y precariedades nos presentan en la configuración de la obra de arte de hoy, no es otra cosa que una resistencia estetizada e inocua que ha encontrado un analgésico momento de expectación en el mundo del arte, muy asiduo a los contrastes reprogramdos de lo bello marginal exotizado y doméstico.

No sin razón el artista Andrés Felipe Gallo recorría la ciudad en un carrito de supermercado recuperando escombros, para desafortunadamente maquillar nuevas calcificaciones, ora paredes con agujerito para ver videos sin sentido voyerista, ora montañitas de parque infantil para la selfie de verificación asistencial al museíto sin eje.

 

 

William Andrés Narváez

Maestro en Artes Plásticas del Instituto Departamental de Bellas Artes de Cali. Actualmente reside y trabaja en Cali, Colombia. Ha participado en muestras colectivas e individuales en espacios independientes de las ciudades de Cali, Popayán, Bucaramanga, Bogotá y Buga.

Arte y naturaleza son las preocupaciones y temas de investigación en mi trabajo artístico. Tomando el paisaje como un elemento de análisis profundo en cuanto a conceptos como natural, paisaje, paisajismo y territorio; propongo piezas que pretenden hacer señalamientos en torno a la fragilidad del mismo, como también la fragilidad de procesos culturales y humanos ligados estrechamente a la naturaleza, develando así procesos paisajísticos que ponen en cuestión relaciones de valor y poder dentro del territorio nacional en la contemporaneidad.

En mis propuestas suelo hacer uso de materiales naturales encontrados como también el papel en diferentes estados de la materia y a su vez, técnicas como la pintura, el dibujo e instalación con la intención de documentar y construir nuevos paisajes monótonos, fríos y desahuciados que parten del concepto de lo “atmosférico” y su carácter inasible para generar espacios que posibiliten desplazamientos y experiencias relacionadas con el paisaje, y que a su vez, dialoguen con la memoria visual del territorio colombiano y la historia de éste.

2016/ (colectiva) “SOCAVON” obra participante en la muestra Masa Crítica, proyecto del colectivo Servicios Temporales. Jardines del Museo La Tertulia. Cali.

2016/ (colectiva) Artista invitado con la obra “EROSIONES” al proyecto En Montaje del colectivo Circular Presents. Galería de LaSucursal, Cali.

2016/ (colectiva) “NATURALEZAS DE UN MUNDO FELIZ” Centro cultural de Cali.

2016/ (individual) FRAGMENTOS, exposición individual dentro del marco de la curaduría Limites e Instrumentos, realizada en la galería COMPACTA, Bogotá.

2015/ (colectiva) de la serie “DESTIERROS” Obra ganadora del Séptimo Festival de Artes Visuales Bugarte. Galería Magenta, Octubre, Buga.

2015/ (colectiva) de la serie “DESTIERROS” III Bienal Internacional de Bucaramanga. Biblioteca Turbay. Octubre, Bucaramanga.

2015/ (individual) “EROSIONES, LA SUERTE DE LOS VENCIDOS” sala de exposiciones del Instituto Departamental de Bellas Artes de Cali.

2015/ (colectiva) “CANTOS NOSTALGICOS”, Reuniendo Luciérnagas 15 Salones Regionales Zona Pacifico, Museo La Tertulia, Cali, Julio 3 del 2015.

2015/ (colectiva) “COSMOGRAFIAS”, exposición HUESPED, sala de exposiciones de Lugar A Dudas, Cali, Febrero del 2015.

2014/ (individual) proyecto “DESTIERROS”, ganador de la beca BLOC (Becas Locales de Creación), Casa Proartes, 14 de Noviembre.

2014/ (colectiva) de la serie “VERDES CAMPOS DE VIDA Y SOLAZ”, Imagen Regional 8, Banco de la Republica Cali 2014, 13 de Noviembre.

2014/ (colectiva) de la serie fotográfica “CUERPOS CELESTES”, Premio Arte Joven Colsanitas 2014, Galería Neveochenta, Bogotá.

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“COCAFÉ” concepto instalado de Miguel Ángel Gélvez en Curare Alterno

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La fuerza del arte de hoy radica en la forma con que instala conceptos capaces de cambiar significados de forma rápida y efectiva. Para lograrlo usa los lugares comunes desde donde el campo del arte proyecta mensajes cargados con alegorías vivas en busca de nuevas asociaciones, las más de las veces, con sentido crítico.

El arte encuentra una razón dentro de las lógicas del uso porque la transformación no solo se ubica en lo que el mismo arte produce en su hacer, sino que deviene respuesta social a los malestares propios de la cultura como ámbito de desarrollo humano.

Es evidente que hemos caído en un mundo de símbolos al nacer, como también es claro que en el proceso de descubrimiento el lenguaje se convierte en la forma más efectiva de ser contenidos, llenados, de información simbólica, donde lo real , como aquello que podemos tocar, sentir, ver, opinar hace las veces de continente.  En dicho sentido el arte contemporáneo funciona como un continente que contiene   lenguajes de conjugaciones infinitas a partir de intuiciones y latencias.

La obra de Miguel Ángel Gélvez en Curare Alterno tiene el sugerente nombre de “Cocafé” una asociación directa entre el café y la coca, dos de los productos sobre los cuales el país, no sólo ha sido conocido en el orbe mundial por su calidad , sino que ha representado al mismo tiempo las bases de la economía nacional.

El trabajo artístico presenta dos elementos a tener en cuenta, en primera instancia una apropiación de “Juan Valdez” marca del café de Colombia creada por la agencia DDB en 1959 y la palabra unida cocafé, que como hemos dicho surge de la asociación directa de las palabras café y coca.

En cuanto a la apropiación del logotipo de la Federación Nacional de Cafeteros lo hizo para transformar el rostro del emblemático personaje en una calavera, señal de muerte y destrucción, situación que se ve enfatizada por el juego semántico de la palabra compuesta.

La obra entonces compara el café y la coca como productoras de muerte en el país, a través de un lenguaje caricaturizado, suponiendo que coca no se refiere a la planta ancestral sino a la cocaína.  Surgen cuestionamientos,  ya que muchas veces las razones para dirigir una crítica tan directa, lejos de develar entuertos económicos de perjuicio social por efecto del poder y del manejo del mundo representado en dos productos que nos señalan constantemente,  como podría pensarse, quedan sus significados suspendidos en cacofonías semánticas donde las flechas no encuentran una diana para un golpe certero.

No obstante la desviación del lanzamiento, la propuesta gráfica sí logra instalar un concepto, el cual tiene que ver con nuestra hipócrita posición frente a la legalización de la droga en Colombia.  No hace falta ver el icono más representativo de nuestra economía convertido en calavera, para pensar en la posibilidad de evitar más violencias contenidas por efecto de la ambición y del tráfico.

Otros lugares para la obra que llaman profundamente la atención se refieren a las relaciones que vinculan  droga y  arte, así como drogas y universidad, ya que la obra se encuentra instalada en dos espacios de la Universidad Tecnológica de Pereira, a saber, el Jardín de Artista y el salón de la Maestría en Estética y Creación, ambos ubicados en la Facultad de Bellas Artes y Humanidades.

También interesa explorar la obra en una línea similar desde la intelectualidad tradicional, donde el consumo del café se asocia con el conocimiento y hasta con la producción académica, ahora también compartida con el consumo de sustancias alucinógenas, menos sacramentales, sí más recurridas como escapismo al manejo de presión que implica la vida adulta.

O.S

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Miguel Ángel Gélvez

Artista plástico independiente y curador santandereano. Gestor Cultural y coordinador de proyectos artísticos en Floridablanca, Bucaramanga, Bogotá, San Cristóbal. Creador del Salón MIRE, Asesor de proyectos visuales expositivos. Montajista en el XI y XII Salón regional de artistas-zona oriente, Santander–Norte de Santander-Estado Táchira. Cocurador del XV Salón Regional de Artistas “Estar en Situación, perforar el contexto” del Ministerio de Cultura de Colombia. Ganador de becas de creación departamental y nacional, consejero municipal de Floridablanca en artes visuales. Ha participado en numerosas exposiciones en Cuba, España, Bucaramanga, Bogotá, San Cristóbal, Mérida-Venezuela entre otras. Ha sido ilustrador de afiches y libros en la región oriente. Artista escénico

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