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“El fenómeno del movimiento para el entendimiento”, obra de Igor Acosta en Curare Alterno

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Si el arte consiste en programar experiencias a partir del uso de lógicas de comprensión donde se produzca como resultado la permanencia y con ella la cultura, entonces podríamos decir que el arte consiste en transmitir más que en comunicar.

Al momento de trasmitir aparecen las emisiones y los fenómenos de autorreferencia, sistema donde el artista se convierte en un autotransporte que emite desde múltiples contextos y maneras de relación.

Nos encontramos ante un sistema que cualifica las intuiciones y articula de alguna manera las transferencias. Tenemos entonces que a través de la transferencia el hombre ha podido domesticar su ser, en medio del mundo simbólico donde fue arrojado al nacer. El arte mismo se considera una trasferencia para evocar, traer o proyectar contenidos que recuerden o presenten las cualidades del encerramiento humano. Lo anterior no se comunica pues el afán del arte como mecanismo de transferencia tiene que ver con la individualización bajo procesos de inmersión de difícil calado y profundidad. Entonces podríamos anotar que la humanidad depende de la individualización y ésta depende de la preparación ante la perdida, de tal manera que la humanidad se da por la presencia del deterioro y la muerte.

La humanidad se ha convertido en un estado de seguridad ante los peligros de lo externo, pero dentro de dichos peligros no podemos considerar la muerte como uno más de ellos, pues la muerte pertenece a lo íntimo. Desde la muerte, la muerte del otro que no se puede sustituir, nosotros arrostramos con el temple y la dureza la realidad de continuar viviendo. La sociedad contemporánea se ha propuesto la meta de otorgarle a la muerte la capacidad de transferencia en lo tecnológico y cada persona usa sus terminales tecnológicas como verdaderos órganos simbióticos hacia la construcción de nociones nuevas acerca del significado de naturaleza.

La ciudad donde se despliegan los retardamientos de la muerte mineraliza los fenómenos de la humanidad que transmite, emite y transfiere continuamente desde redes interconectadas profundamente avariciosas y claramente irónicas: se busca ejercitar hacia la individualización para adelantarnos al trauma de la desaparición.

La obra de Sean Igor Acosta participante en Curare Alterno lleva por nombre “El Fenómeno del movimiento para el entendimiento” . Se trata del funcionamiento de una aplicación para terminales conectadas a la internet, donde el creador se convierte más que en un artista en un conector puesto que la obra pretende generar y evidenciar irónicamente lazos posibles de conexión entre usuarios, todo ello tras la construcción imaginativa del espacio “cinema”.

Lo curioso de la obra es que enfatiza el movimiento desde una doble virtualidad que convierte la simple idea de emitir desde cualquier lugar, a su reafirmación virtual dentro de un sistema de imagen dotado por lo relacional y lo contextual, de tal medida que se establece que la humanidad hoy encuentra su génesis en la palabra distancia, porque precisamente la distancia habla de picnolepsias convenientes y salidas de emergencia ante programas de estrés supremo, que en nada vinculan el entendimiento sino a la comprensión.

 

Oscar Salamanca

 

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“Elemento Inestable” video arte de Isabel Pérez del Pulgar en Curare Alterno

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El espacio dentro de las dinámicas del arte contemporáneo se ha convertido en una constante que genera diferentes momentos y maneras de comprensión. Entre las dinámicas más relevantes tenemos la relación que existe entre tiempo y lugar específico, en parte derivado del objeto encontrado, el cual supo convertir la ciudad en museo, pero más allá, la representación en una dupla entre escritura e imagen.

Aunque nos cueste aceptarlo y se debatan sobre su uso en el arte de hoy, de lo que se trata todo esto es de la representación. Seguimos representando por un impulso de complementación que atañe al individuo en medio de dos mundos, el interior y el exterior.

La representación entonces se producen porque a través de ella, nosotros, los individuos, creamos situaciones de autocobijo en las figuras de espacios que en principio sirven para abrigarnos pero que funcionan como capas de protección ante las crisis, crisis derivadas del antiguo proyecto humano de apropiarnos de lo de afuera, mientras tratamos a toda costa de alejar lo exterior de nuestra intimidad.

Aparece entonces la imagen como un algo capaz de ser llenado de situaciones que pertenecen al ámbito de semejanza. La necesidad consiste en representar todo aquello que conocemos que nos es familiar, con la intención de crear de manera ambiciosa y esperanzadora la completitud del animal- hombre o presencias integradoras.

La escritura, por su capacidad de construcción con potencia imaginativa también representa, pero no ya en la semejanza sino en lo que no es semejante. Me refiero que en el arte de hoy la escritura adquiere una capacidad transformadora porque usa el entramado de la intertextualidad para escribir lo que debería conformar nuevos espacios nido de preparación ante posibles conflictos endógenos y exógenos.

En una defensa de trabajo de grado el profesor Jairo Montoya mencionó que la mímesis contemporánea tiene que ver con los mimos, es decir con la capacidad de mimar. Dicha consideración no le falta razón puesto que el animal hombre en todo momento deviene en construcción de espacios envolventes donde, precisamente la actitud mimética consiste en procurar cuidados compartidos para sí y para su especie.

El video arte de Isabel Pérez del Pulgar participante en Curare Alterno titulado “Elemento Inestable (recuerdo, memoria, olvido )” , propone tránsitos entre espacios interiores pero ampliados donde es necesario realizar recorridos de autocomplementación o de cierre. Los recursos del video arte emplean la representación en tiempo y espacio a partir de la cual la escritura en lo diferente convierte lo propio en un algo reconciliador, ya que aparece la silla, elemento cultural de coopresencias en medio de atmósferas tanto extrañas como misteriosas.

Todo la propuesta se encuentra delicadamente elaborada con superficies compuestas por diálogos intersubjetivos en clave de recordación, acerca de la urgencia por llenar espacios vacíos en medio de una angustia neobarroca, que atañe sin lugar a dudas a una especie de geometría inmune.

Se suceden acontecimientos escapistas dentro de arenas de comprensión, medio biológicas medio aritméticas, donde el lugar del arte aparece señalado por una herencia pictórica muy fuerte, no sólo por el tratamiento plástico de las transiciones y escenas, sino por la idea de representación fraccionada de un lenguaje otrora encriptado, ahora expuesto como posibilidad de transmisión en la desconexión.

O.S

 

Isabel Pérez del Pulgar nacida en Granada y afincada en Francia. Licenciada en Geografía e Historias con la especialidad de Arte por la Universidad de Granada. Cursos monográficos de especialización sobre Teoría del color, Pintura, Dibujo y Técnicas de grabado en la Escuela de Artes de Granada así como cursos sobre diseño y arte digital. A mediados de la década del 2000 adopta como modo de creación y de expresión el vídeo. El vídeo como vehículo plástico en donde se aúnan el movimiento, el sonido y la visión pictórica. La obra es concebida como un fresco continuo, dividido en series y proyectos autónomos. Su trabajo ha sido expuesto y seleccionado en numerosos festivales internacionales. Ha realizado y realiza colaboraciones con otros artistas así como compositores contemporáneos. Su obra se encuentra presente en las colecciones: Arte ALTER – Colección Curate Por Jaime Rodríguez – Burbuja Negra CTFC – Colectivo Trauma Film Collection comisariada Wilfried Agricola de Cologne – Estado Latente CologneOFF X – Arte Total – Alienados Territorios – Ossum Bop Decameron curator Marco Bazzini. Certaldo, Florencia – Suite Boccaccio MAGMART Colección permanente de CAM Casoria Arte Contemporáneo Museum.Topology 9 Círculos / 5 Obra incluida en : Catálogo de la Galería OB-ART Programa VIDEOsPAIN, Itinerancia Transvisuales dependiente de AECID y curador Iury Lech Plataforma videosdeautor.tv CIDV – Video-art Investigation and Documentation Center Videothèque Art Stream Entre algunos reconocimientos:

Finalista en LUMÍNICO INTERNACIONAL 2016. México ,Premio Especial del Jurado MADATAC 06 (2014) ,Mención de Honor 1a Bienal de Videoarte y Animación, VEA. Puebla (México) 2014 ,Premio Bop Decameron: curatore di Bop Decameron Marco Bazzini, Direttore Artistico del Centro per l’arte contemporanea Luigi Pecci di Prato. Certaldo, Florencia 2013

http://isaperezdelpulgar.blogspot.fr/p/cv.html

Para ver los trabajos de video arte, pinche aquí

 

 

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De la rosa tragada, video performance de Helly Hernández en Curare Alterno

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Que el amor es un saber de eso no hay ninguna duda aunque su saber no se equipare con otros saberes fuertes. El amor se conserva entonces como un saber débil que produce igualmente conocimiento quizá de una forma esquiva pero contundente. Aquí la debilidad equivale a tomarla como una forma compartida por el pensamiento contemporáneo donde aquellas nociones unívocas y hegemónicas dan paso a otras maneras de comprensión sujetas a una época del fin de las obras de arte.

En el tiempo de las obras de arte se cometió un error fundamental que fue el de pensarlas desde una poco acertada interpretación del significado de la expresión. Se creía que la expresión provenía del interior del individuo para dar cuenta de pulsiones íntimas, privadas, como señales lanzadas por náufragos en inmersiones no controladas. Entonces se dedujo que la expresión hacia referencia a la subjetividad y con ello definitivamente se enterró la posibilidad de crítica, pues a quién se le ocurre criticar subjetividades.

El éxito de aquella época tuvo que ver con la construcción de un arsenal de imágenes muy importantes que lograron condensar temperaturas de clima estético, social y político provenientes de sus culturas, a través de operaciones que hoy en día sorprenden porque reflejan increíblemente una sintonía en sentimiento, donde poco o nada se pretendía producir la expresión del drama de un individuo en concreto, ya que en últimas dichas obras procuraban la revelación y la verdad.

El arte contemporáneo, sobretodo desde el arte conceptual, ha querido retornar a la época de las obras de arte pero sin involucrar la expresión como formula de la subjetividad, sino más bien como termómetro de comunidades con la intención de reactivar la obra de arte como un acto religante, de encuentro o siguiendo lo conquistado hoy día con la vinculación arte-vida, lo relacional.

El amor sí logra otorgarle un sentido acertado a la noción de expresión por cuanto se posiciona como una manera de adquirir conocimiento desde la sabiduría aprendida por la experiencia, en donde difícilmente se pueden diferenciar los límites entre vida y arte.

El video performance de Helly Hernandez titulado “sin título” que participó en Curare Alterno consiste en una representación intertextual desde un pasaje del libro de Gabriel García Márquez “El amor en los tiempos del Cólera” donde el personaje Florentino Ariza, trastornado por la dicha, comía pétalos de rosas mientras leía la carta de su enamorada.

Afirmo que se trata de una representación intertextual puesto que Helly Hernández profundiza en la posibilidad de ser tragado, pero no con la sevicia y crueldad del canibalismo del arte de hoy, sino en una especie de ritual antropofágico sacramental donde la carne simbólica del otro nutre de espiritualidad y sosiego nuestra propia naturaleza.

La carne en su video performance se convierte en seducción alimenticia cargada de erotismo visceral por la protuberancia de sus labios, mitad cuerpo sexual, mitad máquina de devoración, donde en alguna parte se instala el poderoso concepto del amor.

 

O.S

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“El Dorado Gold Company” video arte de Andrés Felipe Cano García en Curare Alterno

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Cuando la estrategia de suplantar lo real adquiere tintes de fábula con abuso de la imaginación, surge el video arte como formula catapulta.

 

Nos encontramos en una región que necesita de fábulas y también de personajes que sepan crear en el imaginario los relatos fantásticos que aún hoy nos definen como cultura en medio de cordilleras.

Amanecemos a diario sedientos de nuevas historias con las cuales intentar traducir muchas veces lo surreal del acontecimiento o la simpleza de ver una idea horadando con el humor la esencia elemental de lo cotidiano.

 

Con el día aparecen personajes míticos de nuevas mitologías actualizadas a partir de la noticia o la crítica. De allí el paisaje de repente se convierte en sustrato a la vez que escenografía para construir nuevas naturalezas que requieren de la posibilidad para instalarse en el lugar del arte. De hecho hay arte si se logra crear la ilusión de lo verídico y ello se comprueba con las miradas del asombro, pero también con la creación de una inefable línea de no saber a ciencia cierta la materia conceptual e incluso figurativa de lo que se compone el objeto, la idea.

 

Aquel objeto e idea entonces quedan suspendidos en el reinado de la probabilidad en medio de sucesivas capas de virtualidad que solo requieren de activaciones con efecto directo en la imaginación, ya que el imaginar jalona la realidad entendida como algo vivido.

 

La publicidad posee ese efecto en el siquismo humano cuando muestra como verdad algo prototípico incluso inexistente para crear en el individuo la necesidad por obtenerlo. Por este motivo, si consideramos la ciudad como un gran museo repleto de piezas museales dispuestas a derredor, el arte no se diferencia de la publicidad ya que si vemos con atención , usa sus mecanismos de seducción e incluso de presentación.

 

 

El video arte de Andrés Felipe Cano en Curare Alterno titulado “El Dorado Gold Company” jalona la realidad al presentarnos con argumentos y sistemas de traducción proto-verídicos publicitarios la alegría del consumo de satisfacción, enmarcado en un paisaje de finca cafetera donde un personaje con acento paisa y apariencia “gringa” de repente explica a manera de video tutorial, la facilidad por encontrar oro en Colombia con la intención de activar nuevas fiebres de riqueza espontánea, por demás democráticas, donde todos o casi todos, tenemos el derecho y el deber de ir en su busca.

 

El personaje “ Francisco Montenegro” cofundador de la empresa “El Dorado Gold Company” usa herramientas rudimentarias (baritas metálicas )las cuales abogan, no por una minería contaminante y devastadora del medio ambiente, sino una minería fantástica , de bolsillo, seudo ancestral (El Dorado) y hasta sicológica.

 

En este sentido , el trabajo echa mano del “estar en situación” en doble vía. Por un lado naturaliza al minero como un bonachón campesino “texano mormón” que viene en misión pedagógica religiosa a despertar la ambición en la región del eje cafetero, otra versión mejorada, pero no menos peligrosa, del tío Sam o Johnny Walker, con quienes nos las hemos tenido que ver desde la misma configuración planetaria de continente del sur. Por otro lado el mismo artista se coloca en el lugar de escisión, centraliza su imagen como señal autorreferencial, pero al mismo tiempo de separación, lo que ubica el trabajo en lo conocido como video performance.

 

No obstante la potencia de las tensiones contenidas en el video, otra vez Cano no termina por completar la redondez del circuito que implica abrir la posibilidad para cerrarla en una afirmación generacional y el video queda en un estado más bien intencional donde el espectador no termina de creer. Dicha posibilidad no cerrada del creer a mi modo de ver sí afecta porque el creer hace parte de la sintonía desde donde el videoarte comenzó su apertura, y ahora, para cerrarla quedan haciendo falta elementos de conexión, que saquen el video del empantanamiento de humor incompleto.

 

A los que hacemos arte del entretenimiento o arte de la recreación, nos cuesta mucho manejar el humor, porque el humor completo se comporta como un tejido muy fino y delicado, que además de hablar de cosas muy serias, tiene el peligro de convertirse en la nota de lo cómico o peor aún, del chiste y cuando alguien “echa” un chiste, pues todos sabemos que se acabó la conversación.

O.S

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Felipe Chona, performance en Curare Alterno

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La acción plástica “Cuántas corbatas caben en la plaza de Bolivar de Pereira” propuesta por el artista Felipe Chona se realizó el día sábado 5 de noviembre desde las 3 p.m. Aquí algunas imágenes

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Felipe Chona disertó sobre el rostro en el juego de la transmisión. Curare Alterno

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Dentro del proceso de formación del proyecto Curare Alterno, el maestro Felipe Chona ofreció la charla “rostros efímeros, miradas múltiples” en el salón H 602 de la Universidad Tecnológica de Pereira

Felipe Chona es docente y artista escénico y visual. Fundador y director del Colectivo Alterna-Vías (1999), agrupación artística con la cual ha explorado lo multidisciplinario, desde las perspectivas del Teatro del Oprimido, el Arte de Acción y la Participación Comunitaria. Desde 2014 dirige Acciones Diversas, un proyecto encaminado a integrar los diferentes lenguajes artísticos y los nuevos medios TIC en los procesos de reivindicación de los derechos de la población LGBTI.

 

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se inaugura “Al natural” en Acacias Meta. Curaduría de Libardo Archila en Curare Alterno

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ver imágenes de la exposición

 

 

 

Al Natural, es un proyecto curatorial de arte contemporáneo en el cual se ha determinado hacer invitación directa a 6 artistas residentes en el Departamento del Meta, que cuenten con reconocimiento nacional en el circuito artístico contemporáneo o en otras disciplinas, para que como resultado de un laboratorio de experimentación artística a través de la vivencia de un encuentro como campamento artístico en un espacio natural al aire libre durante 2 días en el cual se presentaran las condiciones favorables para que este grupo de artistas desarrollen procesos creativos tanto individuales como colectivos que como consecuencia den a la luz obras de arte que sumadas a registro audiovisuales conformaran una exposición de arte.

Ejes curatoriales

“Al Natural” comprende la realización de una curaduría para la realización de una exposición de arte regional y ha definido 4 ejes temáticos como posibilidades creativas que se desarrollaran en el campamento artístico, las cuales definen los contenidos de la exposición:

Primer eje: Registro audiovisual del suceso.
Un videógrafo realizara un registro audiovisual general del suceso y documentara las acciones efímeras que se realicen por los artistas para ser presentadas como piezas artísticas en la exposición
Segundo eje: Acciones o actividades colectivas.
Actividades o disparadores creativos diseñados por el equipo curatorial para proveer de un hilo conductor al suceso y de cohesión ideológica, que se realizaran en diferentes momentos del suceso.
Tercer eje: Propuestas individuales.
Los artistas participantes, presentaran en la etapa de preproducción, propuestas individuales de creación, las cuales serán desarrolladas en el suceso de acuerdo a la metodología particular de cada una de ellas, previamente aprobadas por el curador.
Cuarto eje: Lo fortuito o nuevas construcciones creativas.
El hecho artístico no puede ser forzado pero se debe mantener una mirada atenta para darse cuenta cuando sucede, potenciarlo, aprehenderlo y registrarlo y una parte importante de esta propuesta es provocar estos estados altamente creativos y libres en el campamento teniendo en cuenta la naturaleza artística de sus participantes.

Lugar del encuentro vivencial artístico

• Finca Los Girasoles (Agradecimientos a Ana María Fandiño, madre y hermanos por el préstamo de este espacio)

Artistas seleccionados

• Alejandro Salazar.
• Ana María Fandiño.
• Nathaly Rojas.
• Omar Gómez.
• Winston Rubio.
• Libardo Archila

Videografía y registro fotográfico

• Gina Paola Villalba

Curaduría de arte

• Libardo Archila

Cronograma

• Pre-encuentro, Espacio de Arte Quirón, 20 de julio
• Encuentro, Finca Los Girasoles, 7 de agosto.
• Primera exhibición, Espacio de Arte Quirón, 10 de septiembre.
• Segunda exhibición, Cuarto encuentro de artes visuales del Meta, Escuela Normal Superior de Acacias, 21 de Octubre.

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Jardines accidentales, la obra de David Guarnizo en Curare Alterno

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De las jornadas a través de los caminos en el bosque y la montaña se recorren espacios demarcados por presencias y ausencias. Entonces creemos encontrarnos en lugares de constatación del mapa, en su situación exhaustiva de reconocimiento o bien nos detenemos ante el asombro de sabernos dueños de la experiencia por algún tipo de descubrimiento.

La situación indica que nos encontramos en medio de un concepto relacionado con la naturaleza, pero que por su misma ambigüedad resulta complejo definir, máximo porque la civilización lo ha resuelto previamente. Es decir, sabemos que lo externo responde a lo natural pero no sabemos a ciencia cierta qué tipo de naturaleza es.

David Guarnizo expone en Curare Alterno una fotografía titulada “Jardines accidentales: Un árbol caído en el Cerro de Guadalupe”. En ella prepara al espectador acerca del tipo de naturaleza que le interesa buscar cuando cerca el paisaje. La deriva le conduce hacia un objeto encontrado en espacio y tiempo específico, a través del cual reconstruye una visión con anclaje histórico como lo es la recreación del jardín.

Un jardín hallado alude a un pensamiento de naturaleza creada donde las cosas que la componen responden a nociones de belleza. Lo bello queda sublimado por el control de aquello que atenta contra el estado de seguridad, y así reconocemos que en la imagen ha sido reemplazado el entorno por el ambiente.

Lo fotográfico no es el paisaje sino lo pictórico del recorte que produce el marco de acotación de la imagen, por dicha razón lo que vemos es doblemente virtual, ya que el artista reconstruye con diferentes tomas ensambladas lo que debería ser representado como escena ideal. La idealización de la naturaleza creada produce indudablemente el abstracto, un abstracto profundamente figurativo.

El exceso de figuración, no sólo da cuenta de la intelectualización de lo real, sino que produce el extrañamiento de la ficción cuando decide con intención eliminar de su artilugio los vestigios de la cultura. De esta manera, la fotografía (entendida como máquina de producción de ready mades) nos presenta un estado genuino de momento único anti mapeado, sin descubrir, sin huellas de civilización, en donde de vez en cuando ocurren sucesos majestuosos, también naturales, como la caída de un árbol, alegoría de muerte delicadamente trabajada por la nostalgia. El trabajo de Guarnizo nos señala que la esperanza de construir mundo hoy consiste en la fabulación por accidente.

O.S

 

 

David Guarnizo es artista y especialista en fotografía egresado de la Universidad Nacional de Colombia. Ha participado en exposiciones colectivas como Fotográfica Bogotá 2015, el Séptimo Salón de Arte Joven de la Galería del Club el Nogal y el pabellón Artecámara de la Feria Internacional de Arte de Bogotá ARTBO en las ediciones 2010 y 2012.

En el 2014 realizó su primera exposición individual llamada ¿Cuál es la distancia al horizonte? dentro del marco de los 15 Salones Regionales de Artistas, en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, MAMBO. En el año 2011 recibió la beca Semilleros de Creación e Investigación de la DIB – Colciencias. Ha sido ganador de las convocatorias Residencias Artísticas Nacionales (2012) y 15 Salones Regionales de artistas – Becas para la realización de exposiciones individuales (2014) del Programa Nacional de Estímulos del Ministerio de Cultura, y de las convocatorias El Parqueadero- Laboratorios (2012) y Beca de formación en mediación del Arte (2013), del Programa Distrital de Estímulos.

Paralelamente a su práctica artística también indaga sobre la educación artística y los procesos de creación colectiva y transdisciplinar.

 

 

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