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Instalación

Cata

Catalina Bolivar instalación trampantojo

Instalación

  • Ana Isabel Diez, Pajaritos de oro, Pajaritos: 13x20x9 cms c/u aprox. 
  • Carpeta: 23×15 cms c/u, Cuadros: 24×26 cms c/u. 2016. Medellín.
  • Andrés Cuartas. Espacialidades. Instalación sonora. 3 x 3 metros. 04:32 minutos. 2015 – 2016. Pereira.
  • Andrés Suarez. TRANSMUTACIÓN.  Ladrillos forrados en terciopelo. Medidas variables. 2013. Manizales.
  • Camilo Bojacá Ardila. Pancarta # 1. Andamios hechos de mina de grafito de 2 milímetros  y arena de rio. Variables, aproximadamente 200 x 200 x 70 centímetros. 2015. Bogotá.
  • Christine Renaudat. Alegría (instalación sonora).  Papel impreso pegado con engrudo – sonido portátil. 400 X 100 cm aprox. 2015-2016. Francia
  • Diana Catalina Bolívar Barón. Trampantojo. Instalación. 2.50 x 3.14 m. 2016
  • Diana María Jiménez. Alteridad. Intervención: alfileres metálicos sobre zapatos. 22 x 8 x 7 cms. 2015. Cali
  • Francia Villabona. La última luz. Instalación con plantas pintadas y luces de colores. Trípodes plateados.  Dimensiones variables. 2014. Bogotá
  • Francia Villabona. Para protejerme de ti
. Técnica/medio: Intervención con ladrillos de concreto y botellas pintadas. Serie de ladrillos de concreto de 13 x 15 x 22cm. Dimensiones variables. La longitud de la hilera se define de acuerdo al sitio de intervención. Año: 2013. Bogotá
  • Gladys Méndez. Sin huella. Instalación cerámica, 200 cm x 200 cm . Obra de suelo. 2016. Pereira
  • John López. Juegos Cotidianos para la memoria en 8-Bit. Video- Instalación. Medidas Variables, Bucle de Video. 2016. Buga Valle del Cauca.
  • Juan Chica, Conato de Asir, instalación, 2016
  • Julián Céspedes de la Pava. Mechanical Horse. Performance, arte sonoro, live act, canto experimental. 40’. 2014-2016. Pereira.
  • Liliana Caycedo Hernández. Memoria para un muro (Redproject desclasificación de archivo). Instalación en lugar específico, medidas variables, 2016. Bogotá
  • Luis Javier Barbosa Vera. UBI MORS IBI SPES Donde está la muerte está la esperanza. Instalación Entre 750 a 1000 pepas de mango recogidas en diferentes lugares de Colombia, Tronco de árbol proveniente de Florencia, Caquetá, Machete encapsulado. 130 x 130 x 130 cms (largo*ancho*alto). 2016. Bogotá.
  • Luís Fernando Arango. Becerro. Instalación medidas variables, 2016. Manizales
  • Luís Fernando Arango. Didáctica. Instalación medidas variables, 2016. Manizales
  • Maribel Gordillo Correa. Barriga llena corazón, instalación escultórica, 2 x 3 metros. 2016. Bello Antioquia
  • Mario  Pilonieta  Rúgeles, Punto de quiebre, Cartón, periódico u otros medios escritos, imágenes pintadas en vinilos. 2016. Bogotá
  • Ulises Giraldo. Public enemy. Instalación Vaciado en cemento de elementos varios. Dimensiones variables. 2015. Manizales.

 

  • Christine Renaudat

 

Christine Renaudat

 

Título de la obra: Alegría (instalación sonora)

Año: 2015-2016

Colombia es el país mas feliz del mundo. Yo soy feliz, Ud. es feliz, todos nos reímos de las desgracias y encontramos chistoso ver cómo las afectaciones tristes vienen para encontrar la manera de convivir con ellas dentro del cinismo.

Los hermanos disfrutan ver cómo le va mal al otro hermano. Sabemos que las personas mueren jóvenes y las que no, pues terminan sus días solos hasta que el hedor logra advertir al vecino indiferente.

La felicidad en Colombia tiene un tinte de venganza porque ella se ha encargado de hacer justicia a quién ríe demasiado. La felicidad en la academia hace que se viva en una constante hipocresía donde no es prudente hablar más de la cuenta de lo personal, por ello la felicidad del profesor adquiere un tinte trágico en donde la nostalgia poco o nada puede participar. En el presente orden de ideas, la felicidad del profesor de arte nada tiene que ver con la felicidad del estudiante de arte. Mientras el primero ve con felicidad la frustración de aquel que aún y a pesar de las señales, sigue creyendo en la libertad y el cambio de paradigmas desde un arte cargado de riesgo, el segundo aspira a desafiar algún día al mediocre que han decidido confiarle su deber con la creación, como si crear o enseñar performance lo vendieran en potes de supermercado.

Yo me inscribo en el grupo de los profesores mediocres, o mejor para no desentonar, de los profesores neo-mediocres, ya que mi felicidad consiste en generar en el otro el caos hasta llevarlo a un lugar para tomar decisiones del hacer. Mi mediocridad consiste en manejarme en situaciones medias, ser tibio, así se moleste el espíritu. Sin embargo, aunque parece extremo, la función pública que represento y el hecho de considerarme un ser posmoderno, me llevan a profundizar poco para poder hacer paseos por biografías con apropiaciones de segunda mano y pensamiento bricolero.

La artista Christine Renaudat presenta en Curare Alterno su obra titulada “Alegría” que a mi modo de ver no dista mucho de la felicidad. La artista observa cuidadosamente la gran contradicción colombiana de vivir frente a tanta crisis y pretender estar alegre. Será que nos quiere decir que la alegría en Colombia se manifiesta con sonrisas eternas, muecas horribles de desesperación por la impotencia de no poder transformar aunque sea el contexto privado de miseria en que nos ha tocado vivir.

Su instalación la componen recortes de titulares de prensa, acompañados de audios incisivos de pregones y anuncios paradigmáticos, donde se recoge la caterva de enunciados que generan alegría, pero no en plan celebración inocente, sino con la ironía de quien escribe la muerte con sordidez, una respuesta que va más allá de buscar la burla para vender noticias: se trata de la instauración del humor como antídoto donde todos terminaremos encontrándonos.

O.S

Christine Renaudat

Activista sonora, escritora y documentalista, vive en Colombia desde 2001. Trabajó durante 12 años como periodista en Colombia, el Caribe y América Central. No estudió arte.

Desde 2012, explora los sonidos de la violencia, para producir unos trabajos en la frontera entre lo documental y lo “artístico”. Las instalaciones y piezas que hizo con este material fueron presentadas en varios países de América latina. Este trabajo sonoro y visual indaga en los mecanismos de construcción de la memoria traumática individual, contrastándolos con el discurso vehiculado por los medios de comunicación y el estado sobre la violencia y la memoria. Incluye colaboraciones con el colectivo bogotano Sonema, con el colectivo cartagenero Octavo Plástico y con artistas sonoros de Colombia, Chile, México, etc.

Participó en el XV salón Regional del Caribe Pictografonía (Barranquilla) con la obra Murió en su ley.

Reconocimientos:

Phonurgia Nova Award (Paris, 2015): mención de honor para Maldita Primavera (pieza sonora)

Bienal Internacional de Radio de México (2014): premio construcción de ciudadanía, para la instalación Memorial de voces y primera mención de honor en radio arte para la pieza sonora Maldita Primavera

Artraker prize (Londres, 2013): nominación para la instalación sonora Memorial de Voces

Resumen exposiciones: (ver también: http://www.christinerenaudat.com/expos.html)

2015: Cartagena Fonográfica, colectiva, Casa Museo de la Presentación, Cartagena / Murió en su ley , Festival de arte feminino, Museo histórico de Cartagena/ Murió en su ley, Barranquilla, XV salón regional de artistas del Caribe / Cruzar, (videoinstalación), Cartagena / Memorial de voces (exposición sonora), Puebla, Mérida, Morelia (México).

2014: Intersticios sonoros (colectiva), Espacio tangente Burgos (España)/Intersticios sonoros, Centro Cultural Gabriel García Márquez, Bogotá / Mermeladas sonoras, Muestra de Arte portátil, Cartagena / Memorial de voces, Casa Tomada, San Salvador (Salvador)/Memorial de Voces, Centro Cultural de España, La Paz (Bolivia)/ Memorial de Voces, Centro de Arte y Cultura de la Universidad Nacional, Tegucigalpa (Honduras)/ Memorial de Voces, Centro Cultural de España, Santiago de Chile / Desde adentro (fotografía y sonido), Foro internacional para la justicia juvenil, Medellín.

 2013: Maldita primavera (creación sonora), Centro de formación y cooperación española, Cartagena / Sonema 4, Cartagena / Memorial de Voces, festival Música con Tempo colombiano, Biblioteca Nacional, Bogotá / Memorial de voces Festival Mayo por la vida, Medellín/ Memorial de voces, Archivo distrital de Bogotá /Memorial de voces, Biblioteca departamental de Montería

2012: Sonema 3, Bogotá – Memorial de voces, Cartagena

 

  • Diana María Jimenez Potes

Diana Maria Jimenez 2

 

Título de la obra:

ALTERIDAD

Técnica/medio:

INTERVENCION: ALFILERES METALICOS SOBRE ZAPATOS

Dimensiones : 22 X 8 X 7 CMS

Año: 2015

 

La obra de Diana Jiménez se titula “alteridad” y según el marco conceptual que presenta asume la alteridad como aquella posibilidad de transustanciación producida por efecto y consideración de “vivir” en la situación del otro.

Su trabajo consiste en una suerte de ensamblaje construido con alfileres que atraviesan la “piel” de zapatos femeninos. Al verlos impresiona en varios sentidos, pues por un lado alude a un acto repetitivo de penetración en una alegórica capa de protección con capacidad de daño, pero al mismo tiempo resume poéticamente un contenido hacia lo íntimo igualmente convulso y conflictivo. El hecho de tratarse de zapatos de mujer vincula la autorreferencia en clave crítica.

Se aborda la transustanciación porque plantea un objeto útil y privado como entes susceptibles de comunicación entre sí, bien sea a través de cavidades autógenas compartidas o bien desde un fino dispositivo- ente interior- que se relaciona con un homónimo exterior. Las agujas, frías , delgadas, sutiles pero al mismo tiempo contundentes, conectan los posibles conductos por donde aquella sustanciabilidad escapa de lo ensimismado del ente, para convertirse en canales de autotransporte de alguna emisión representada en la situación.

De manera literal lo que se busca con estar en la situación del otro consiste en tallar, moldear los nuevos recodos y vacíos, herencias huecas de habitáculos grabados. El pelaje ordenado de alfileres hacia adentro recuerda tatuajes anímicos y lugares oscuros a la vez que ocultos de atascamiento original: cada alfiler señala el lugar de atención en lo desconocido que, además, asecha.

La alteridad habla entonces de espacios de compartimiento, ya que propone desplazamientos del yo hacia el reconocimiento de otredades igualmente alienadas bajo la óptica del encuentro. Ser o estar en la alteridad no implica la disidencia total pues se da en algún momento la comprensión de las naturalezas paralelas hacia un fin compartido, pero si es revolucionario en la medida que revoluciona pensamientos y transforma intenciones.

O.S

 

DIANA MARIA JIMENEZ POTES

 Estudios

*2013 – Pregrado en Artes – Maestra en Artes Plásticas / Instituto Departamental de Bellas Artes / Cali (Colombia).

*2009 – Pregrado en Historia – Historiadora / Universidad del Valle / Cali (Colombia).

*2007 – Diplomado en Curaduría. Historia de la mirada. Las fuentes simbólicas de la imagen / Universidad del Valle en convenio con el Instituto Departamental de Bellas Artes / Cali (Colombia).

Becas y Estímulos:

*2014 – Ganadora de la convocatoria Pasantías Nacionales del programa nacional de estímulos del ministerio de cultura, con el proyecto: “Los objetos y la memoria. Historias de una ciudad y sus habitantes vista a través de sus objetos”. En convenio con la Universidad Nacional de Colombia. Julio – Diciembre de 2014.

Bogotá – Cundinamarca.

Exposiciones Individuales

*2015 – La sutileza de lo oculto / Instalación / En: Fundación Ap-PartE: Arte y experiencia / Septiembre 5 al 17 de 2015 / Bogotá-Cundinamarca.

*2013 – Construcciones de lo femenino / Instalación / En: Instituto Departamental de Bellas Artes / Agosto de 2013. Cali – Valle.

Exposiciones Colectivas

*2014 – Intersecciones, exposición colectiva. /Socialización de la beca otorgada por el ministerio de cultura. /Arqueología Urbana de la Memoria. / Instalación. /En: Museo de Arquitectura Leopoldo Rother. Universidad Nacional de Colombia. /Noviembre 19 a 21 de 2014.   Bogotá – Cundinamarca.

*2014 – Micromundos, exposición colectiva. / El peso de los roles / Instalación / En: Centro Cultural de Cali. Julio 4 a 29 de 2014. Cali – Valle.

*2012 – Imágenes del fin del mundo, exposición colectiva / Micropaisajes. / Fotografía digital / En: Fundación Frontera Sur / Diciembre 1 a 21 de 2012. Cali – Valle,

Publicaciones

*2014 – Hacia un panorama de la enseñanza de las artes gráficas. / Artículo para la revista de artes gráficas Aguafuerte. Edición Bogotá / Diciembre de 2014/ Bogotá – Cundinamarca.

 

  • Andrés Cuartas

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Título de la obra: Espacialidades

Técnica/medio: Instalación sonora

Dimensiones de la instalación: 3 x 3 metros Duración de la pieza sonora: 04:32 minutos.

Año: 2015 – 2016


 

La experiencia sonora devela nuevas superficies y texturas que la implosión de lo visual no permitió explorar con lentitud y detenimiento. El mundo se fue configurando como un cúmulo de vivencias determinadas por grados de percepción visual donde el tiempo, o mejor, la atención a través del tiempo, fue perfilándose cada vez más fugaz, casi imperceptible.

La atención que las imágenes demandan en nuestra atmósfera de la rapidez fueron construyendo en nosotros mismos premuras sobre la disposición a observar la imagen, de tal forma que nuestra mirada antes que analizar, escanea momentos como destellos contenedores de la no profundidad.

El símil contemporáneo de la imagen es vaciamiento, una necesidad por no detener por mucho tiempo los contenidos, una afrenta hacia la extrañeza y el misterio, a mi modo de ver, capital en la búsqueda de reconocimiento de sentido. Si no se nos permite la interiorización por la imagen detonada constantemente entonces estamos frente a una retracción de sentido.

¿Qué nos queda como alternativa de lo retinal hoy? La inmersión

En la inmersión se objetiviza aún más la subjetividad, porque el sujeto entra en un espacio que lo atrapa e invita a superar la situación del proceso. La persona se expone a enfrentar su subjetividad ante la acción, el estímulo, la presión, de tal manera que produce sin proponérselo experiencia. La inmersión parecería entonces desde lo anteriormente acotado un estado de violencias casi desesperadas para atraer la atención sobre el acontecimiento, pero desde otra perspectiva se activa una negociación medial para los sentidos y en ello la imagen como tal y la imagen dentro de la noción arte adquiere otras potencialidades.

Sobre esas potencialidades de la obra de arte inmersiva también existen elementos relativos puesto que cómo y de qué manera se instaura lo relacional como negociación sin sorpresas o manipulaciones donde los públicos terminan asediados en aras de la “experiencia”.

La obra de Andrés Cuartas en Curare Alterno se plantea como un signo de instalación. Quiere decir que propone aprioris de pensamiento determinados por ordenes de elementos sonoros y visuales capaces de generar lo inmersivo con pretensiones tecnológicas poco sofisticadas, ante la magnitud de ofertas cibernéticas.

En su trabajo, cuartas recuerda al hombre inmerso en nuevas naturalezas de simbiosis entre tecnología de efectos y sensaciones de afectos, recordándonos que nos enfrentamos a relaciones de tiempo y espacio como sitio específico.

O.S

Andrés Cuartas

Artista visual, Licenciado en Artes Visuales de la Universidad Tecnológica de Pereira, candidato a Magister en Estética y Creación en la misma universidad; su obra se ha desarrollado en los campos del arte sonoro, el videoarte y videoperformance.

Paralelo a su obra, desarrolla proyectos curatoriales de circulación, promoción y exhibición de videoarte. Desde el proyecto La Tostadora – Artes sonoro-visuales ha sido invitado a diversas exposiciones y festivales a nivel nacional e internacional; además hizo parte durante el 2012 y 2013 de la producción y curaduría de NIO, Muestra Internacional de Videoarte, realizada en Pereira Colombia.

Su a trabajo ha sido reconocido en diferentes espacios artísticos y académicos, recibió la calificación de laureado en su tesis de pregrado “Paisaje fragmentado, imagen sonora hibrida en contexto”, fue ganador de la beca de investigación-creación en artes visuales del Instituto de Cultura de Pereira, fue ganador beca de circulación internacional para artistas y agentes de las artes visuales del Ministerio de Cultura, recibió mención de honor en el Salón de Agosto Pereira 2010 y actualmente está siendo becado para cursar estudios de Maestría en Estética y Creación en la Universidad Tecnológica de Pereira.

Ha exhibido su obra como invitado y participante en exposiciones individuales y colectivas en festivales de videoarte, cine y media-art nacionales e internacionales en países como: Suiza, Francia, España, Grecia, Italia, Portugal, República de Macedonia, Israel, Etiopía, Canadá, EEUU, México, Argentina, Perú, Ecuador, Venezuela y varias ciudades de Colombia

  • Gladys Méndez

GLADIS MENDEZ

Sin huella. Instalación cerámica, 200 cm x 200 cm . Obra de suelo. 2016

 

Sobre la cerámica artística ha caído la misma maldición que ha sido arrojada al grabado como impresión seriada en el arte. Los lenguajes del barro cocido y los procesos de repetición gráfica fueron injustamente desplazados por medios cuyo fenómeno de alteridad artesanal logran desubicar a los más despistados y eclécticos.

 

La maldición es simple. Consiste en categorías y alcances. Una pieza cerámica no sólo debe luchar para desprenderse de su origen utilitario, sino además, intentar combustionar el pensamiento con el propósito de instaurar ideas dentro de las razones mismas del arte, aunque quizá esas razones no sean otras diferentes a que el arte no sirve para nada.

 

En el grabado la maldición tuvo que ver con la cercanía de la reproducción en masa, anatema muy recurrente para su práctica cuando, otras razones para el arte, en ese caso políticas y de masificación, forzaron temáticas, dramas, consciencias y diferentes herencias desafortunadas de activismo.

 

La tención por la separación de una cosa y otra hizo que se radicalizara el discurso del arte en términos muy modernos como si se tratara de causas extremas. En la contemporaneidad donde todos hemos sido invitados a ser postmodernos, la situación limítrofe de lo panfletario y el arte no panfletario se ha ido aflojando hasta lograr una situación media, en todo caso no definitiva.

 

La cerámica y el grabado entonces tan estigmatizados, ahora se presentan con una inusitada claridad, al menos en términos de espacio creativo, ya que se ha dejado a un lado hablar de medios concretos para centrarse en la idea, de tal manera que lo que interesa hoy es la experiencia de creación más no su resultado aparente.

 

En dicha perspectiva surge la obra de Gladys Méndez, ceramista formada en Bucaramanga y Barcelona quien expone en Curare Alterno su instalación “Sin huella”. La obra se compone de un conjunto de cerámicas en forma de botas de guerrillero campesino, violentadas con formas agresivas que expanden fuertes connotaciones sobre la guerra, sin caer en situaciones lastimeras ni reinvenciones prefiguradas sobre la víctima.

 

La cerámica de Méndez recicla el panfleto, lo reactualiza, por eso su instalación lejos de querer insertarse en una tradición de un determinado “arte político”, nos hace comprender que el arte es una herramienta política de discernimiento.

 

O.S

 

  • Mario Pilonieta Rugeles

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“PUNTO DE QUIEBRE”, instalación

La crisis contemporánea a causa de la superpoblación y sus consecuencias en el medio ambiente tienen una figura representativa: la urbe. En la urbe compuesta por aglomeraciones de personas la ciudad se ha venido comportando como un exoesqueleto mineralizado por el cemento, el hierro y el ladrillo.

A través del exoesqueleto la sociedad construye una especie de invernadero cuyo fin consiste en preservar la humanidad. Podemos entonces sin temor a equivocarnos que el concepto de humanidad hoy no sea otro que estar seguro dentro de una matriz que garantiza, no sólo la superviviencia de la especie humana, sino también las situaciones de lujo que creemos un derecho.

Aquellas situaciones de lujo consisten en capitalizaciones de confortabilidad y alejamiento del ser animal, de tal manera que cada vez más el hombre se encuentra solo sin relación con su principal círculo ancestral, el animal.

Vista de la anterior manera, la ciudad aparece en el imaginario como un sistema de apoyo y protección derivado de las sucesivas globalizaciones hasta las contemporáneas, las cuales han intensificado la crudeza del consumo; de hecho, la ciudad hoy funciona como un entramado de sospecha y miedo permanente, determinada por micro-separaciones e indiferencia.

La obra de Mario Pilonieta propone a partir de elementos modulares (según el artista “espacios o recintos constructivos” ) una instalación que implica la deriva. El espectador debe recorrer la ordenación cartográfica del trabajo para encontrar el sentido simbólico que conforma las unidades arquitectónicas, entre ellas la familia, la educación, la información, los medios de comunicación, todos escenarios contenedores de desarrollo ciudadano.

La preocupación del artista consiste en recrear una ciudad a escala de valores tonales para advertir , quizá de forma ecológica, sobre el desastre a que nos hemos venido acostumbrando por afectaciones tristes producto del abuso y la destrucción. Con la obra, la ciudad pierde el analgésico, la asepsia, el adormecimiento y la recreación “estética Disney” de un mundo armónico, por el caos, el miedo, la suciedad y lo precario.

O.S

 

Mario Pilonieta

De Bucaramanga, Santander del Sur -Colombia, nací en el año de 1956. Arquitecto egresado en 1997 de la Universidad Santo Tomás, y dedicado a las Bellas artes, combinando este oficio con la actividad docente en diferentes instituciones educativas a nivel primaria, secundaria y técnica media universitaria. Desde 1985 he realizado varias exposiciones individuales y colectivas habiendo transitado a través de la experimentación, por varias etapas desde lo formal hasta lo abstracto y últimamente en nuevos modos de hacer que conlleven al cambio de pensamiento, valiéndome de herramientas y rudimentos técnicos y conceptuales tanto tradicionales como novedosos.

En el año 2003 me traslado a la ciudad de Bogotá con el objetivo de involucrarme con el arte que allí se viene desarrollando y donde participo en becas, seminarios y talleres de formación para empíricos que estén a igual nivel con la formación académica, aplicados a una producción pertinente al arte contemporáneo internacional desde nuestro propio territorio, su entorno y contextos. Mientras en un comienzo empleaba las técnicas tradicionales para plasmar y expresar sentimientos y emociones desde los figurativo como algo puramente estético que lo relacionara con la belleza de los cánones, ahora empleo nuevas técnicas estéticas compuestas por elementos considerados no plásticos, que a través de procesos pedagógicos les dé esa caracterización para construir artefactos que lleven al análisis y reflexión de nuestra problemática actual, que permitan elaborar nuevos pensamientos e inconscientes colectivos para la transformación del mundo.

Dentro de algunos procesos de formación tengo:

  1. EXPERIENCIAS CULTURALES PARA CREATIVOS, Museo de Arte Moderno – Bogotá
  2. CREACIÓN COLECTIVA Y PRÁCTICAS COLABORATIVAS, ERRATA # 7, Biblioteca Luis Ángel Arango.
  3. 2013. –  CAMPOS DE ACCIÓN EN LA PLÁSTICA – Diferentes a la Exhibición (Talleres). Cámara de Comercio Kennedy, Galería Santa Fe y Museo Nacional de Colombia – Bogotá.
  4. – TERCER ENCUENTRO DE INVESTIGACIONES EMERGENTES EN EL CAMPO DE LAS ARTES PLÁSTICAS Y AUDIOVISUALES – Gerencia de Artes Plásticas y Visuales – IDARTES
  5. ESCUELA LIBRE DE EXPERIMENTACIÓN PLÁSTICA, nuevos procesos de producción,Idartes, universidad  Jorge Tadeo Lozano– Bogotá
  6. ARTE CONTEMPORÁNEO EN EL TERCER MUNDO, IREDI-universidad Industrial de Santander– Bucaramanga
  7. LA CIUDAD Y LO URBANO, Centro Colombo Americanomaestro Gustavo Zalamea Traba– Bucaramanga
  8. NUEVOS MEDIOS EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO. Museo de Arte Moderno de Bucaramangamaestro José Alejandro Restrepo– Bucaramanga

 

  • Memoria “post”, sin especificidad de sitio específico, la obra de Liliana Caycedo Hernandez en Curare Alterno

 

memoria

Odio facebook porque nos ha encerrado en algo tan ridículo como un espacio virtual. De igual forma al arte que nos ha encerrado en un espacio doblemente virtual,y ya que crea la virtualidad propia de sus medios, su sistema con una virtualidad que es la mía propia, la del ser.

En el arte me la paso virtualizando y llevando a lo real para otra vez pegar la vuelta hasta confundir vida y arte. En la red de internet el ser es en la medida que virtualiza su naturaleza hasta fundir cuerpo con máquina y belleza con imagen.

No obstante en la ironía que se establece entre el hombre y la máquina, es decir , en la ironía de haber aceptado que somos hombres en la medida que vinculamos la máquina a nosotros y de la misma forma , la maquina humanizada, la memoria aparece como el cúmulo de experiencias.

 

Si aceptamos la memoria como fin último de la acumulación de experiencias la vida de un hombre facilmente se traduciría en recordatorios somáticos de comportamiento registrados y datados. Albunes virtuales de negociación no tan común sino individual, parcial, detonante. La memoria así vista se convierte en depósitos con sistema de ordenación decodificados exentos de cuerpo sacramental, sagrado o mítico. Nuestra vida es una imagen para ser usada sin tiempo.

 

El proyecto de Liliana Caycedo Hernandez. MEMORIA PARA UN MURO (Redproject desclasificación de archivo) para Curare Alterno, se plantea como una obra en sitio específico a partir de la especificidad de los archivos recopilados de facebook, ahora des-clasificados, es decir, des-mitificados, des-sacralizados que fijan en bucle a una nueva prefiguración de muro la palabra Memoria.

No sabemos a ciencia cierta de la intención crítica que alimenta a Red Proyect pero su intuimos que dinamiza una especie de revolución micro en nuestra forma de asumir la relación de experiencias vividas como algo en definitiva menos público, más informado a la vez que con articulación donde cabe, si se quiere, nostalgias compartidas y decepciones aligeradas.

 

O.S